本トークイヴェントは2月12日にTSUTAYA TOKYO ROPPONGIの2Fにあるイヴェントスペースにて行われた。休日ということもあって多くの人が来場した。PHOTOGRAPH BY YAMAGUCHI KENICHI JAMANDFIX
齋藤精一（以下、齋藤）：今日は「日本とフランスのこれからの表現」に関してと、メディアアートの環境が日本とフランスでどう違うのかについてお話できればと思います。早速ですが、ジョアニーさんのイントロダクションから。
ジョアニー・ルメルシエ（以下、ジョアニー）：わたしは自身をヴィジュアルアーティストだと考えていますが、キャンヴァスに絵の具で描く画家のような存在ではありません。わたしは空間と光を使って作品をつくっています。
ジョアニー・ルメルシエ｜JOANIE LEMERCIER
ヴィジュアルアーティスト。光のプロジェクションを用いてわたしたちの視覚認識に影響を与える作品を手がける。幾何学的なフォルム、ミニマルなモチーフや構成による作品が多い。2008年にヴィジュアルレーベルAntiVJを共同創設。13年には個人スタジオを立ち上げ、映像を使用したインスタレーション作品や実験的プロジェクトを行う。https://joanielemercier.comPHOTOGRAPH BY YAMAGUCHI KENICHI JAMANDFIX
ある日、わたしは単なるヴィデオプロジェクターの各ピクセルをそれぞれコントロールすることによって、完全に自分の思うままの照明ができると気づいたんです。それからわたしは光のプロジェクションを用いて表現することが多くなっていったのですが、まるで自分のプロジェクションのなかの空間で生きるように、暗い部屋で過ごすことが多くなりました。
そこで、よりバランスのとれた人生を送るために、わたしは自然を見出したのです。自然のなかで受けた心地よい感情が、わたしにバランスをもたらしてくれました。その後の作品と、いまMedia Ambition Tokyo（以下、MAT）で展示されているインスタレーション作品『山、11万4千個の多角形』にも、自然は影響を与えています。
最近使うようになったCGIは、映画やヴィデオゲームで使われているもので、本当の自然により近い風景をつくり出すことができます。このツールのおかげで、わたしは新たな雲のテクスチャーを自分の作品に入れることができました。しかしCGIソフトを使ったあと、シンプルなものに戻りたいという気持ちが湧いてきてクロッキーのデッサンを描きましたが、わたしはデッサンがあまり上手ではないので、実はロボットを使っています。
このように手描き、CGIソフト、ロボットなどを使ってさまざまな試みを行ってきましたが、いつも探しているのは自然に取り込むという経験をすることです。どうすれば自分が自然のなかで感じた感動を伝えることができるのかを、いつも考えています。会場からは、富士山に夕日が沈むところを見ることもできます。こんな場所で展示ができるのはとても嬉しいですね。
ジョアニーが今回MATで展示している作品、『山、11万4千個の多角形』はアルゴリズムによって変形したメッシュによって精細な写真と見間違えてしまうような美しい山脈を描き出している。PHOTOGRAPH BY KOKI NAGAHAMA/2018 GETTY IMAGES
齋藤：2007年からプロジェクションマッピングを手がけているというのは、アーティストのなかでも先駆者で、その後の表現の幅を広げた方だと思っています。かっこいいだけではなく芯がぶれていませんし、自然をすごく探究されているという印象があります。
ぼくのなかで今年のMATをすごく象徴していると思ったのが、「実践」ということです。いろんなところで2020年に向けたさまざまな議論がありますけれど、もう議論していてもしょうがないので、つくれる人はどんどんどんどん物をつくっていくという時代に入っていく。逆に言うと、それが出来ない人はたぶん負けていくでしょう。今回ライゾマティクスはトヨタ紡織さんとご一緒しましたが、このような発想をつくらせていただけるのはもちろん、これを外に出してみて初めて、成功なのか失敗なのか、失敗であればどうすれば成功するのかというプロセスをスタートできるのです。これが大事で、いま始めていかないといけないこと。この部分をご一緒できたのは大きかったですね。
齋藤精一｜SEIICHI SAITO
1975年神奈川県生まれ。ライゾマティクス代表取締役。建築デザインをコロンビア大学建築学科(MSAAD）で学び、2000年からNYで活動を開始。その後ArnellGroupにてクリエティブとして活動し、03年の越後妻有トリエンナーレでアーティストに選出されたのをきっかけに帰国。その後フリーランスのクリエイティヴとして活躍後、06年にライゾマティクスを設立。建築で培ったロジカルな思考を基に、アート・コマーシャルの領域で立体・インタラクティヴの作品を多数つくり続けている。PHOTOGRAPH BY YAMAGUCHI KENICHI JAMANDFIX
いま世界はレイヤーや縦割りなどではなく、超複雑系の時代に入ったと思っています。例えば行政とアートはいままで離れていたのに、モビリティ、ロボティクス、シェアリングエコノミーなどそれ自体もすべてが毛玉状になっており、取り除こうと思っても絡まって取れない時代になっています。それはインターネットが起こしたことですよね。
そうすると、「事情」の産物を取り除いてみることが大切ではないでしょうか。事情の産物はどんな仕事でも起こります。例えば、「これ会社的に無理です」とか、「お金的に無理です」とか、「スケジュール的に無理です」というものを、一回とっぱらってみる。いろんなものを見て、なぜこれはこのままななんだろうと疑う発想が必要です。
トヨタ紡織さんとは人から発想する、「内装から発想する内装」について話し、デザインチームと密にコミュニケーションをとり、今回展示した『VODY』をつくりました。シリンダーが二百数十本入っているんですが、座った人に合わせてシートがフルパーソナルに調整されるというものなんです。
このように体験していただかないとわからないものが世の中にはたくさんあるなか、MATのいいところは、いろんな人が来て体験できることです。MATにはテクノロジーにモビリティ、人とテクノロジーの関係の話、人工知能（AI）の話からセンシングの話まで、いろんなものが詰まっているとぼくは思っています。メディアアート系のイヴェントは最近東京で増えて来ていますが、フランスの状況はどうですか？
ライゾマティクスがトヨタ紡織とともにつくり出した『VODY』。本作が2017年11月に東京モーターショーで発表された際に、「WIRED.jp」はトヨタ紡織の開発担当者と齋藤の対談を掲載している。PHOTOGRAPH BY KOKI NAGAHAMA/2018 GETTY IMAGES
ジョアニー：メディアアーティストのなかにもさまざまなプロフィールの方がいると思うんですが、おおよそがクラブや音楽シーンを通った人たちでしょう。音楽フェスティヴァルに招かれてプロジェクションマッピングをするようになり、10年経ってようやく美術館やさまざまな機関、政府や都市から招かれるようになり、多くの観客がわたしにアクセスできるようになったのです。
MATは本当に信じられないようなフェスティヴァルです。誰もが先端的な観客でありながら、たまたま東京に来た観光客もMATが開催していることを現場で知る。ほとんどポップカルチャーになっていると思うんです。
齋藤：ジョアニーさんは自然とデジタルのように相反するもの、あまり交わらないものを普段使っていますが、そういう作品をつくっている観点から見て、メディアアートのもっている力はどういうところにあると思いますか？
ジョアニー：メディアアートの力はクリエイティヴコーディングともかかわっていると思うんです。ご存知のように、何十年も前からコンピュータとテクノロジーが発展をし、民主化されていきました。しかし、クリエイティヴコーディングやプログラムにアーティストがアクセスできるようになったのは、ごく最近のことです。すなわちアーティストが簡単に使えるソフトができたことが重要です。
いまではコンピューターの力をアーティストが十分に利用できるようになりました。プロジェクションにしてもレーザーにしても、LED光線にしてもモーターにしても、昔はそうしたものをコントロールする機械があったとしても、アーティストがそれにアクセスできなかったんです。
しかし、いまでは美術学校を出たばかりのアーティストであっても、さまざまなストラクチャーやクルマ、建築物まで、クリエイティヴコーディングを使ってつくることができます。それもオープンソースのソフトウェアでつくることができるのです。テクノロジーは結局、ツールに過ぎません。昔の画家に絵筆があったように、現代のアーティストはコンピューターを使うことができる。
ジョアニーがメッシュによって山脈を構成していく様子。この状態だといかにもCGのようにに見えてしまうが、その解像度が上がっていくことで美しい山がつくり出されてゆく。PHOTOGRAPH BY YAMAGUCHI KENICHI JAMANDFIX
齋藤：テクノロジーが道具であることはすごく大事なポイントで、あるときに表現者たちはそれを忘れて、大きくする・明るくするためにテクノロジーを使ってしまうこともあります。複雑な世の中になったからこそ、テクノロジーはわれわれの道具であることを肝に銘じていないと、いつかテクノロジーに飲まれてしまうようなことがあると思っています。
例えば、AIに人間の仕事が奪われると言われていますが、AIはまだよちよち歩きの子どものようなテクノロジーなので、ぼくたちがどう使っていくべきかが大事です。メディアアートというのは、その実験の一発目。メディアアーティストは、いろんなアクセスを試すことができます。だからこそ、一発目にこれとこれとこれをつなげたらどうなるのか、もしくはどういうポテンシャルがあるのかを試すのかという意味では、ぼくはメディアアートが産業に貢献しているような気がします。どう思いますか？
ジョアニー：産業やブランドとわたしの関係ですが、ブランドや企業クライアントとは仕事をしないと決めていました。現在はブリュッセルにスタジオをもっていて、1年に10本ほど新しい作品をつくっています。あまり予算の大きいものではありません。ベルギーで文化関係の助成金をもらうことができていますが、イギリスやフランスでもアーティストに対する助成はどんどん少なくなってきています。
そこで1年に1プロジェクトだけ、そうしたブランドや企業クライアントのための作品をつくることを自分に許すようになりました。その際は予算の額も大きくなり、その1本のプロジェクトのおかげで、ほかの新しいプロジェクトやスタジオリサーチを1年間行うことが可能になるのです。しかし、スポンサーつきのプロジェクトはとても吟味します。たいていの場合は断ることになってしまうなかで、選ぶプロジェクトはレーザーや巨大な水でできたスクリーンなど、新しい技術を試す機会でもあります。
齋藤：絶対にコマーシャルの仕事をやらないっていうアーティストはフランスでも、ぼくの友達でも多いです。ヨーロッパはアーティストをバックアップする体制が非常に進んでいると思っていましたが、それがだんだん弱くなっているという現状があるのは驚きですね。次のフェーズが近づいているのかもしれません。
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